HISTORIA DE UNA ESCALERA. TEXTO COMPLETO. Comentario de texto "Historia de una escalera"

HISTORIA DE UNA ESCALERA. TEXTO COMPLETO

FERNANDO.- No. Te lo suplico. No te marches. Es preciso que me oigas... y que me creas. Ven.

(La lleva al primer peldaño.)

Como entonces.

(Con un ligero forcejeo la obliga a sentarse contra la pared y se sienta a su lado. Le quita la lechera y la deja junto a él. Le coge una mano.)

CARMINA.-¡Si nos ven!

FERNANDO.- ¡Qué nos importa! Carmina, por favor, créeme. No puedo vivir sin ti. Estoy desesperado. Me ahoga la ordinariez que nos rodea. Necesito que me quieras y que me consueles. Si no me ayudas no podré salir adelante.

CARMINA.-¿Por qué no se lo pides a Elvira?

(Pausa. Él la mira, excitado, alegre.)

FERNANDO.- ¡Me quieres! ¡Lo sabía! ¡Tenías que quererme!

(Le levanta la cabeza. Ella sonríe involuntariamente.)

¡Carmina, mi Carmina!

(Va a besarla, pero ella le detiene.)

CARMINA.- ¿Y Elvira?

FERNANDO.- ¡La detesto! Quiere cazarme con su dinero. ¡No la puedo ver!

CARMINA.- (Con una risita.) ¡Yo tampoco!

(Ríen felices.)

FERNANDO.- Ahora tendría que preguntarte yo: ¿Y Urbano?

CARMINA.- ¡Es un buen chico! ¡Estoy loca por él! (Fernando se enfurruña.) ¡Tonto!

FERNANDO.- (Abrazándola por el talle.) Carmina, desde mañana voy a trabajar de firme por ti. Quiero salir de esta pobreza, de este sucio ambiente. Salir y sacarte a ti. Dejar para siempre los chismorreos, las broncas entre vecinos... Acabar con la angustia del dinero escaso, de los favores que abochornan como una bofetada, de los padres que nos abruman con su torpeza y su cariño servil, irracional...

CARMINA.- (Reprensiva.) ¡Fernando!

FERNANDO.- Sí. Acabar con todo esto. ¡Ayúdame tú! Escucha: voy a estudiar mucho, ¿sabes? Mucho. Primero me haré delineante. ¡Eso es fácil! En un año... Como para entonces ya ganaré bastante, estudiaré para aparejador. Tres años. Dentro de cuatro años seré un aparejador solicitado por todos los arquitectos. Ganaré mucho dinero. Por entonces tú serás ya mi mujercita, y viviremos en otro barrio, en un pisito limpio y tranquilo. Yo seguiré estudiando. ¿Quién sabe? Puede que entonces me haga ingeniero. Y como una cosa no es incompatible con la otra, publicaré un libro de poesías, un libro que tendrá mucho éxito...

CARMINA.- (Que le ha escuchado extasiada.) ¡Qué felices seremos!

FERNANDO.- ¡Carmina! (Se inclina para besarla y da un golpe con el pie a la lechera, que se derrama estrepitosamente. Temblorosos, se levantan los dos y miran, asombrados, la gran mancha en el suelo.)

Antonio Buero Vallejo, Historia de una escalera 


1) Indique las ideas que presenta el texto y exponga esquemáticamente su estructura:

1. INTRODUCCIÓN: Fernando coge a Carmina  y la obliga a sentarse junto a él para hablarle. 
2. NUDO: Parlamento de los dos jóvenes en los que: 

• Se declaran su mutuo amor y cómo no están ninguno de los dos enamorados de sus otros pretendientes (Elvira y Urbano)

• Planes de futuro de Fernando.  

    3. DESENLACE: Fernando al ir a besarla derrama la leche. El espectador intuye que nada saldrá bien (como el cuento de la lechera)

2) Intención comunicativa del autor. Señale dos mecanismo distintos de cohesión.

La intención del autor es presentar críticamente la situación social de las clases bajas durante la posguerra española. La obra estrenada en 1949 inaugura la tendencia del teatro crítico y social. El autor mediante las palabras de los personajes nos muestra el fracaso de las ilusiones juveniles y la frustración amorosa. Esta trama se representa en el escenario mediante unos personajes, en este caso Fernando y Carmina, que contemplan desde el pasado, presente y futuro de sus hijos, que también se llaman como ellos, un futuro, que se adivina muy parecido al que han tenido ellos. Además de las palabras de los personajes hay otras en las acotaciones en las que el autor tiene la intención de dar explicaciones para que el director, los personajes, a la hora de montar la obra, sepan cómo deben llevarla a la escena.

Los acontecimientos ocurren en un único escenario: una escalera de un edificio de pisos de clase media-baja. El tiempo es un elemento fundamental en la obra, que consta de tres actos, separados por treinta años. Este fragmento se desarrolla al final del primer acto.

Aunque el tono del fragmento parece el de una comedia romántica, hay un fondo de ironía y amargura en él, que lo acercan a la tragedia, los personajes se encaminan a una situación sin salida, ellos mismos van labrando con sus acciones su desdichado futuro. Como en un moderno cuento de la lechera, que el autor nos recuerda de manera explícita, al hacer que Fernando de un puntapié a la vasija que contiene la leche y la derrame, el lector/espectador intuye que los planes de los dos jóvenes no llegarán a realizarse. En las palabras de los personajes las funciones apelativa y expresiva del lenguaje son las dominantes, por eso abundan los vocativos: ¡Carmina. Mi Carrmina!, ¡Fernando!, etc.; el uso del modo imperativo: No te marches, Ayúdame; las oraciones interrogativas y exclamativas. ¡La detesto!, ¡Qué felices seremos! ¿Sabes?, ¿Por qué no se lo pides a Elvira?; la utilización de elementos afectivos: Por favor; ¡Tonto!, de adjetivos valorativos: sucio ambiente, cariño servil, pisito tranquilo. En las acotaciones domina la función referencial y la poética (ya que se trata de un texto literario), palabras que denotan esta función poética: talle, represiva. Como procemientos de cohesión podemos señalar: Deixis personal: uso de pronombres personales de primera, segunda y tercera persona: refiriéndose a Fernando (me oigas, me creas), te, ti (a Carmina), nos (a los dos), la detesto (Elvira), por él (Urbano) Repetición de palabras: No, que me, lechera, libro, año (años), Carmina, Palabras con la misma raíz o lexema (derivación): sentarse, se sienta;  Sinónimos textuales: ordinariez y sucio ambiente; la detesto, no la puedo ver; pobreza, dinero escaso.

TEATRO DE BUERO VALLEJO

CARACTERÍSTICAS DEL TEATRO DE BUERO VALLEJO

Introducción

Antonio Buero Vallejo fue un destacado dramaturgo español, nacido en Guadalajara en 1916. Muere en Madrid en el año 2000.

En sus primeras obras, el propósito de Buero Vallejo era desvelar la angustia y soledad en las que se debate la existencia humana, casi siempre en condiciones mediocres cuando no hostiles. Representativas de esta primera tendencia son la citada Historia de una escalera y Palabras en la arena, ambas de 1949.

En la etapa posterior, particularmente extensa, el autor tiende al mito, la leyenda y la fábula, en obras como En la ardiente oscuridad (1950), La tejedora de sueños (1952), Madrugada (1953), Hoy es fiesta (1956), Las cartas boca abajo (1957), La doble historia del doctor Valmy (1964), El tragaluz (1967), Llegada de los dioses (1971), La fundación (1974), Caimán (1981), Diálogo secreto (1984), Lázaro en el laberinto (1986) y Música cercana (1989).

Una poderosa tendencia que anima su teatro es incorporar, convenientemente retocadas, corrientes antiguas del teatro español que han sido despreciadas. Otro de los pilares de carrera dramática es la preocupación por la realidad española y el intento de favorecer una reflexión apasionada y serena, rigurosa pero abierta, que abra la conciencia civil al espejo de la historia.

CARACTERÍSTICAS DE LA OBRA DRAMÁTICA DE BUERO VALLEJO

El tema común que liga toda su producción es la tragedia del individuo, analizada desde un punto de vista social, ético y moral. Los principales problemas que angustian al hombre se apuntan ya en su primera obra, En la ardiente oscuridad, y continúan en obras posteriores.

La crítica ha clasificado su obra en teatro simbolista, teatro de crítica social y dramas históricos.

1. Teatro simbolista. En la ardiente oscuridad representa el crudo enfrentamiento con una realidad que no puede escamotearse ni disfrazarse. A través de la tara física de la ceguera, Buero simboliza las limitaciones humanas. Así, es símbolo de la imperfección, de la carencia de libertad para comprender el misterio de nuestro ser y de nuestro destino en el mundo. El hombre no es libre porque no puede conocer el misterio que le rodea. El tema del misterio predomina en otras obras, también de corte simbolista: La tejedora de sueños, recreación del mito de Ulises y Penélope; Irene, o el tesoro, análisis del desdoblamiento de la realidad.

2. El criticismo social. Estas obras analizan la sociedad española con todas sus injusticias, mentiras y violencias. Pertenecen a este grupo: Historia de una escalera, Las cartas boca abajo y El tragaluz.

Historia de una escalera, que obtiene en 1949 el premio Lope de Vega, es posiblemente una de las obras más importantes del teatro de esta época por su carácter trágico y por la denuncia de las condiciones sociales de vida. La obra causó gran impacto por su realismo y contenido social. En ella plantea la imposibilidad de algunos individuos de mejorar materialmente debido a la situación social y a la falta de voluntad.

El tragaluz. Esta obra es especialmente interesante, probablemente una de las mejores. Como casi todas las de Buero Vallejo, comienza de manera aparentemente anodina, contando la historia de una familia, pero luego se vuelca hacia un relato el cual, tanto por el fondo como por la forma (y siempre con la sutileza necesaria para esquivar a la censura), constituye un ataque en toda la línea de flotación al franquismo y a su obsesión por influir nuestra visión tanto de la historia pasada como futura. De trama aparentemente simple y lectura muy fácil, sin embargo, en cuanto uno empieza a escarbar encuentra cinco o seis niveles de mensajes, todos potentísimos, y que impactan sobremanera al lector. La única pega: todos esos mensajes, en la época en la cual fue escrita (postrimerías del franquismo), se entendían sin necesidad de decir nada. Hoy, para comprenderlos, muchas veces deben ser contextualizados por analistas literarios.

3. Dramas históricos. En estos dramas, Buero toma los «materiales del pasado histórico (...) como trampolín o espejo y como mina de significaciones cara al presente y como "modelos" en el sentido que la sociología da al vocablo» (Ruiz Ramón).

Pertenecen a este grupo Un soñador para un pueblo, Las Meninas, El concierto de San Ovidio y El sueño de la razón.

Un soñador para un pueblo relata el fracaso de un hombre empeñado en mejorar la vida de un pueblo. El protagonista, Esquilache, ha de enfrentarse a todo el sistema, pues la política que pretende imponer no cuenta con el apoyo popular. Pero en realidad, la oposición a su política no procede del mismo pueblo, sino de un tercer poder, que, oculto, mina las mejoras de vida. Al final, Esquilache se sacrifica: renuncia a su cargo y marcha al exilio.

El concierto de San Ovidio, Parábola en tres actos se estrena en 1962. A partir de un grabado que representa el espectáculo de la orquestina de ciegos del Hospicio de los Quince Veintes, realizado en septiembre de 1771, Buero reconstruye un drama en el que aflora lo grotesco, la injusticia y la falta de ética. Los temas son la explotación del hombre por el hombre y la lucha del hombre por su libertad.

El sueño de la razón. La obra se sitúa en el Madrid de 1823, durante la ola de terror desencadenada por Fernando VII en su lucha contra los liberales. El protagonista es: Francisco de Goya. A través de la sordera de este personaje —de nuevo una tara física, Buero simboliza la incapacidad de algunos para oír el sentido de la realidad.

CARACTERÍSTICAS DE LOS PERSONAJES DE SUS OBRAS

Las características principales de los personajes que aparecen en la mayoría de las obras de Antonio Buero Vallejo se pueden resumir en las siguientes:

• Presentan algún defecto físico o psíquico.
• No se resumen a simples esquemas o símbolos.
• Son personajes complejos que van evolucionando a lo largo de la obra.
• Son distinguidos por la crítica entre personajes activos y contemplativo:
• Los activos no tienen escrúpulos y actúan movidos por el egoísmo o por sus bajos instintos, y, cuando llega el caso, son crueles y violentos sin dudarlo si con ello consiguen sus objetivos. No son personajes malos; la distinción maniquea entre buenos y malos no tiene cabida en el teatro de Buero.
• Los contemplativos se sienten angustiados. El mundo en que viven es demasiado pequeño. Se mueven en un universo cerrado a la esperanza. A pesar de ser conscientes de sus limitaciones, sueñan un imposible, están irremediablemente abocados al fracaso. Nunca ven materializados sus deseos.

OTRO ENFOQUE DE LAS CARACTERÍSTICAS GENERALES DE SU TEATRO

Con frecuencia se clasifica toda la producción del autor en obras realistas, históricas y simbólicas. Aquí señalaremos cuatro grandes bloques de “ingredientes” que se dan simultáneamente, en diferentes proporciones, en cada una de sus obras desde aquellas dos primeras obras que presentó al Premio Lope de Vega en 1948 (Historia de una escalera y En la ardiente oscuridad).

1. UN TEATRO HUMANISTA. Sus obras son ante todo la defensa de la dignidad del hombre. Y se presenta de lo humano una imagen totalizadora (la dimensión social, política, la de misterio). En sus obras encontramos una reflexión sobre la situación del hombre en el mundo, en situaciones de opresión (El concierto de San Ovidio), intolerancia (Un soñador para un pueblo), falta de horizontes (Hª de una escalera), la soledad (El sueño de la razón), la mentira (El tragaluz)… Es un teatro poblado por los grandes temas humanos (libertad, esperanza, violencia-crueldad…), un teatro existencial, donde por encima de la peripecia concreta del personaje cobra importancia la dimensión metafísica del ser y sus actos.

Con frecuencia las obras, tan cercanas muchas veces al subgénero clásico de “tragedia”, se estructuran como la búsqueda de la verdad por parte de un personaje, en lucha contra las limitaciones propias o impuestas. La purificación final (“catarsis”) debe alcanzar también al espectador, testigo y actor mudo a quien la obra plantea unas interrogaciones fundamentales que afectan a su vida y que debe responder.

2. ESPAÑA. Todas las obras de Buero serían adscribibles strictu sensu al “realismo”. Unas retratan el presente, los personajes son contemporáneos o cercanos al espectador. (Hoy es fiesta, 1956, la España de posguerra). Otras reflejan momentos históricos pasados (La detonación, 1977, la España de Larra). En algunas ocasiones aparecen explícita o implícitamente varios momentos temporales (Historia de una escalera, con diferentes fragmentos de un lapso de 30 años; Lázaro en el laberinto, 1986, donde hechos pasados condicionan la actuación del personaje en el presente; El tragaluz, en que unos personajes del futuro presentan una historia contemporánea al espectador, en la que a su vez aparecen momentos del pasado de sus protagonistas). En ambos casos se verifica un proceso crítico a la realidad: nos encontramos a los desheredados, los oprimidos,…La guerra civil y sus secuelas es un tema recurrente, en unas ocasiones más en segundo plano (Historia de una escalera) y en otras de modo más central (El tragaluz)

3. NEOSIMBOLISMO. Sugerir o evocar temas, situaciones, etc. mediante el recurso a la alusión indirecta o simbólica es muy frecuente en el teatro de Buero. En ocasiones podría explicarse como una manera de hacer referencias políticas evitando a la censura: esa “Fundación” como cárcel o dictadura irrespirable. En otros momentos el simbolismo adquiere una dimensión más existencial o metafísica: esa “escalera” que representa el fracaso ante el paso del tiempo. O ambas: como esa terraza de Hoy es fiesta, donde los inquilinos están felices pero encerrados por la propietaria,… Y quizá en este sentido existencial hay que leer la frecuente presencia de personajes con taras físicas (ceguera, sordera,…) o psíquicas: la lucha del hombre con / contra sus límites, etc. Esta dimensión simbólica afecta también al propio texto espectacular, y hay que atender a los significados más allá de lo aparente: en la elección de tal o cual música, o en la disposición de los elementos en la escenografía: plano superior, inferior, etc.

4. TÉCNICA TEATRAL. Una de las innovaciones más notables de su lenguaje teatral, como ya se sugiere en el punto 2, es la utilización dramática del tiempo. La introducción en la escenografía o a través de acotaciones implícitas de varios momentos temporales que se relacionan influyéndose, crea a veces un juego de perspectivas que persigue que el distanciamiento ayude en la superación o comprensión del conflicto al personaje y al espectador. Muchas veces esto está relacionado con el tratamiento del espacio. La utilización de un “escenario múltiple” (La detonación, El tragaluz) permite tener varios escenarios a la vez que se van actualizando mediante la utilización de la luz y el sonido, y que en ocasiones nos permiten asistir a acciones simultáneas.

“Interiorización del público en el drama” es como llamó Buero al recurso técnico popularizado como “efectos de inmersión”: una manera de hacer participar al espectador en el paisaje interior del personaje. Asistimos a la vida de Larra desde su mente atormentada de suicida en La detonación, 1977; oímos el obsesivo ruido del tren que ocupa el cerebro del padre de El tragaluz; vivimos la sordera de Goya en El sueño de la razón, 1970; quedamos completamente a oscuras como Valindín, cuando David el ciego apaga la vela en El concierto de San Ovidio; o, con el protagonista de La Fundación, acabamos llegando a la cordura tras varias fases de alucinación.

LAS MUJERES DE VERDAD TIENEN CURVAS

"EL POEMA", DE TODO MÁS CLARO DE PEDRO SALINAS

Pedro Salinas

El poema, de Todo más claro

"Y ahora, aquí está frente a mí.
Tantas luchas que ha costado,
tantos afanes en vela,
tantos bordes de fracaso
junto a este esplendor sereno
ya son nada, se olvidaron.
Él queda, y en él, el mundo,
la rosa, la piedra, el pájaro,
aquéllos , los del principio,
de este final asombrados.
¡Tan claros que se veían,
y aún se podía aclararlos!
Están mejor; una luz
que el sol no sabe, unos rayos
los iluminan, sin noche,
para siempre revelados.
Las claridades de ahora
lucen más que las de mayo.
Si allí estaban, ahora aquí;
a más transparencia alzados.
¡Qué naturales parecen,
qué sencillo el gran milagro!
En esta luz del poema,
todo,
desde el más nocturno beso
al cenital esplendor,
todo está mucho más claro. "

COMENTARIO DE TEXTO DE PEDRO SALINAS

Ayer te besé en los labios.

Te besé en los labios. Densos,

Rojos. Fue un beso tan corto

Que duró más que un relámpago,

Que un milagro, más.

El tiempo,

Después de dártelo

No lo quise para nada

Ya, para nada

Lo había querido antes.

Se empezó en él, se acabó en él.

Hoy estoy besando un beso;

Estoy solo con mis labios.

Los pongo

No en tu boca, no, ya no

-¿A dónde se me ha escapado?-

Los pongo

En el beso que te di

Ayer, en las bocas juntas

Del beso que se besaron.

Y dura este beso más

Que el silencio, que la luz.

Porque ya no es una carne

Ni una boca lo que beso,

Que se escapa, que me huye.

No.

Te estoy besando más lejos.

COMENTARIO DE "AYER TE BESÉ EN LOS LABIOS"  (DENISE CAMPAGNA 5H)

TEMA :

El poema se centra en la transición del amor físico al amor espiritual a través del recuerdo permanente de un beso.

ESTRUCTURA :

La estructura externa del poema está caracterizada por versos libres, irregulares y sin rima. Además el ritmo viene dado por las repeticiones de ciertas palabras. La estructura interna se encuentra dividida en dos partes. La primera parte pertenece al pasado inmediato ( Ayer te besé ) mientras que la segunda al presente ( Hoy estoy besando un beso ). Además estas dos secciones se encuentran estructuradas a su vez de una forma paralela : el acto, vv.1-2 y vv.12-19 ; la comparación, vv.3-5 y vv.21-22, y en la primera parte hallamos el tránsito hasta el hoy ( vv.6-11 ) mientras que en la segunda la conclusión, es decir, el recuerdo del beso sigue siendo aún pasado pero continúa en el presente y se extiende al futuro ( vv.23-27 ).

ARGUMENTO :

El poeta habla del beso que dio a su amada, un beso breve pero tan intenso que el tiempo anterior y posterior no tiene importancia. Al día siguiente recuerda ese beso y lo transforma en algo trascendente, que va más allá ( más lejos ) de lo  físico y corporal. El instante mágico del beso trasciende el tiempo material y puede entrar en una dimensión atemporal y eterna.

COMENTARIO :

“ Ayer te besé en los labios “ pertenece a “ Las voz a ti debida “ ( 1933 ), obra que junto a “ Razón de amor “ y “ Largo Lamento “, constituye una trilogía poética dedicada a Katherine R. Whitmore, el gran amor del poeta.

El texto constituye un perfecto representante de la poesía amorosa de Salinas, compuesta como un permanente diálogo entre la amada ( tú ) y el poeta ( yo ). De hecho, la estructura de la composición se desarrolla a través de un eje temporal compuesto por el pasado, el presente y el futuro, un espacio, representado por los labios, y el “ tú-yo “ que al final se une encarnando la síntesis del ayer y el hoy, de lo carnal con el ideal.

Esta síntesis total de los amantes es lo más importante de la composición que está caracterizada por la densidad conceptual y por la importancia de los contenidos. Este es el motivo por el que en este poema se ve con claridad la sencillez estílistica. Apenas se pueden hallar recursos retóricos mientras que a través de un ritmo abrupto y repeticiones de diverso tipo, Salinas pone de relieve ciertos contenidos : “ Ayer te besé en los labios … “ ( vv.1-2 ) , “ no lo quise para nada ya, para nada lo había querido antes “ ( vv.8-9 ), “ no en tu boca, no, ya no “ ( v.16 ).

Por lo concierne a los recursos de carácter conceptual encontramos paradojas, antítesis y juegos a partir de ideas en apariencia incompatibles : “ Fue un beso tan corto que duró más que un relámpago “ ( vv.4-5 ) , “Se empezó, se acabó en el “ ( vv.11-12 ), “ Hoy estoy besando un beso “ ( v.13 ), “ […] en las bocas juntas del beso que se besaron “ ( vv.20-21 ). Todas estas paradojas desembocan en la paradoja final : “ Te estoy besando más lejos “ ( v.28 ).

 El poeta ha optado por esta tipología de recurso porque expresa su pasión amorosa de una manera reflexiva y conceptual, e incluso la entera composición es paradójica : el contenido denso, como los labios rojos de la amada, y complejo se expresa con un estilo sencillo y un lenguaje directo, casi coloquial. De hecho el vocabulario es simple, con predominio de sustantivos y verbos, y los demás recursos literarios son muy sencillos : dos símiles en los vv.3-4 y 22-23, una pregunta retórica ( v.17 ), dos derivaciones  ( v.21 y v.13 ), la sinécdoque en los vv.24-25 y la personificación en el v.26 . Además hay muchos paralelismos.

Vemos cómo al poeta no le interesa la apariencia, la superficie de la realidad sino lo que se esconde más allá. Esta dimensión ideal se percibe gracias a un ritmo que el poeta rompe con las pausas internas, los encabalgamientos abruptos ( vv.1-2 ) y versos de tres sílabas ( v.6 ; v.15 ) y hasta de una sola ( v.27 ). En resumidas cuentas, estamos muy cerca del verso libre : el poeta renuncia a las normas de versificación tradicional y busca un ritmo más libre que realce el contenido destacando la idea fundamental del poema : el amor físico es satisfactorio y fuente de felicidad, pero al mismo tiempo no se agota en sí mismo, ya que es el medio, el camino para sublimar lo material y alcanzar una dimensión trascendente y espiritual que permanezca para siempre.

COMENTARIO DE TEXTO "TIERRA NATIVA" DE LUIS CERNUDA

COMENTARIO DE UN POEMA DE LUIS CERNUDA


TIERRA NATIVA, Luis Cernuda: Como quien espera el alba (1941-1944)

Es la luz misma, la que abrió mis ojos Toda ligera y tibia como un sueño, Sosegada en colores delicados Sobre las formas puras de las cosas.   El encanto de aquella tierra llana, Extendida como una mano abierta, Adonde el limonero encima de la fuente Suspendía su fruto entre el ramaje.   El muro viejo en cuya barda abría A la tarde su flor la enredadera, Y al cual la golondrina en el verano Tornaba siempre hacia su antiguo nido.

El susurro del agua alimentando, Con su música insomne el silencio, Los sueños que la vida aún no corrompe, El futuro que espera como página blanca.   Todo vuelve otra vez vivo a la mente, Irreparable ya con el andar del tiempo, Y su recuerdo ahora me traspasa El pecho tal puñal fino y seguro.   Raíz del tronco verde, ¿quién la arranca? Aquel amor primero, ¿quién lo vence? Tu sueño y tu recuerdo, ¿quién lo olvida,

 
 
RESUMEN
Es un poema de Luis Cernuda, poeta de la Generación del 27, donde el autor describe cómo la luz le despierta del sueño por el que se imaginaba estar nuevamente en su “tierra nativa”. En este sueño el poeta revive un paisaje del que forman parte una llanura con un limonero, una fuente, un viejo muro donde se abría una enredadera y, finalmente, una golondrina que en verano  tornaba hacia su nido. Luis Cernuda, por último, después de lamentarse del dolor emocional que le causa la acción de recordar el pasado, su juventud en tierras de España, se dirige a la “tierra nativa” para decirle que cuanto más lejos esté de ella más la tendrá presente en su alma.
TEMA
El tema principal de este poema es la nostalgia del tiempo pasado, del paisaje de la juventud y la añoranza de España. Este tema es planteado como un sentimiento doloroso del que nunca podrá liberarse el poeta.
COMENTARIO DE LA ORGANIZACIÓN DE LAS IDEAS
Este poema se compone de 24 versos, agrupados en seis estrofas de cuatro versos (sin rima y en su mayoría endecasílabos, pues hay dos versos alejandrinos o de 14 sílabas). Por otra parte, el poeta expresar el tema de este poema a través de la siguiente organización de las ideas:
# Primera parte, que corresponde a la primera estrofa del poema, El poeta describe cómo es la luz que le ha abierto los ojos, despertándole de su sueño.
# Segunda parte (estrofas 2, 3 y 4) donde Luis Cernuda describe en qué ha consistido su sueño: el paisaje español de su juventud: la llanura, la fuente, el limonero…
# Tercera parte (estrofas 5 y 6): El poeta reflexiona amargamente sobre el dolor que le ocasiona soñar y recordar su pasado y su “tierra nativa”; pero, sobre todo, deja constancia de su imposibilidad de evitar soñar y  recordar su pasado, su juventud, su primer amor, su tierra española.
 
COMENTARIO CRÍTICO (esbozo)
Luis Cernuda es uno de los grandes poetas de la Generación del 27, aunque sean Federico García Lorca y Rafael Alberti los más recordados y famosos entre la gente. El poeta, al igual que tantos miles de españoles , tuvo que abandonar la patria y emprender el camino del exilio a consecuencia de los desastres de la guerra civil y la terrible dictadura franquista que la sucedió.  En efecto, la guerra del 36 obligó a Cernuda a exiliarse en Gran Bretaña, primero y Estados Unidos y México, después, donde falleció.
Por esto, la nostalgia y el recuerdo de la tierra perdida es tan importante en la poesía y en las obras literarias y artísticas de los exiliados. Pues no se trata solamente del paisaje, de fuentes, montañas, llanuras o limoneros. También están la experiencia vivida, los amores, la familia, los amigos y tantas cosas que forman la biografía sentimental de una persona. Porque además la condición de exiliado no es como la condición de emigrante. Ambos tienen que marcharse de la patria que les vio nacer y donde se criaron. Pero el exiliado no puede volver hasta que muera el dictador de turno o un estado democrático derribe esa dictadura. En cambio el emigrante es desterrado por razones económicas: para salir de la pobreza se sale a buscar mejor fortuna en otra tierra; y en muchos casos se regresa a la tierra de origen en cuanto se dan las condiciones monetarias para ello.

A partir de aquí se pueden introducir reflexiones sobre cómo se deben sentir por dentro los inmigrantes que se trasladan a otro país, otras razas, culturas, religiones, costumbres… y cómo deben de sentir nostalgia y tristeza cuando recuerdan la tierra de la que proceden.

Por otra parte, el poeta en su evocación del paisaje, de la memoria de la juventud, del pasado que se va irreparablemente recuerda los versos de Antonio Machado, el gran cantor del paisaje y las tierras bañadas por el río Duero.

COMENTARIO DE TEXTO "EL CONTEMPLADO" DE PEDRO SALINAS

De mirarte tanto y tanto,
de horizonte a la arena,
despacio,
del caracol al celaje,
brillo a brillo, pasmo a pasmo,
te he dado nombre; los ojos
te lo encontraron, mirándote.
Por las noches,
soñando que te miraba,
al abrigo de los párpados
maduró, sin yo saberlo,
este nombre tan redondo
que hoy me descendió a los labios.
Y lo dicen asombrados
de lo tarde que lo dicen.
¡Si era fatal el llamártelo!
¡Si antes de la voz, ya estaba
en el silencio tan claro!
¡Si tú has sido para mí,
desde el día
que mis ojos te estrenaron,
el contemplado, el constante
Contemplado!


El poeta mire un paisaje desde un alto, al infinito, al horizonte, desde el monte hasta la playa. Mira cada punto de la estampa, cada palmo de terreno, cada cambio de luz, todo lo que tiene frente a sus ojos. Ha visto su luz de día y de noche y la belleza del mismo hace que nazca de su interior un nombre, el que da título al poema.
Ese nombre refleja la belleza de lo que ve y lo que siente al hacerlo. Para el poeta, el nombre es la representación de lo atónito que se siente, de la belleza de la contemplación de lo que tiene uno delante. Para el poeta es un estremecimiento físico y emocional cuando se da cuenta de lo importante que es aquel lugar, de lo que le hace sentir y del nombre que ha surgido para recordarlo siempre.

Estamos ante un poema en el que no sólo se describen las emociones de un poeta ante la visión de un paisaje maravilloso. Estamos en un lugar que recoge toda la belleza que puede inspirar a muchas personas para que, con el tiempo, ese punto sea reconocido y reconocible por todos a través de un hombre. Éste no se ha dado porque alguien lo hubiera decidido sin más, sino que las propias características del lugar son las que hacen que el nombre surja por sí mismo.
Es obvio que hay una emoción exagerada en el poeta por todo lo que ve, por todo lo que siente. Es bueno poder releer como el poeta sabido plasmar todas esas emociones encontradas en unos versos que lo positivo que tienen es que no se alargan demasiado. Es decir, el poeta busca plasmar un hecho sensible en unos versos y, en vez de alargarse en la versificación como podrían haber hecho otros, busca el concentrar toda esa expresividad en pocos versos.
Sin embargo, aunque el poema no es extenso, captamos perfectamente la sensibilidad del poeta, sentimos como propia toda esa belleza que nos muestra y, hasta cierto punto, podemos mirar a través de los ojos del poeta como si de una cámara de video se tratara, captando e imaginando como puede ser ese lugar.